lundi 17 juillet 2017

George Romero : from here to eternity

Romero en 1978 durant le tournage de Zombie.
Depuis dimanche, les hommages ne cessent d'affluer en mémoire à George Romero, provenant aussi bien d'amis personnels du cinéaste que de passionnés. Romero avait touché et transformé la vie de milliers de personnes grâce à ses films. Nombre d'amateurs, qui ne connaissaient pas le cinéaste, évoquent – en toute humilité – l'impression d'avoir perdu quelqu'un de proche, comme un membre de leur famille. Ce sentiment de perte, peu d'artistes ont été capables de l'inspirer avec autant de ferveur.
Et pour cause.
On avait grandi avec les films de Romero. On avait bâti une grande partie de notre cinéphilie et de nos goûts cinématographiques en rapport avec ses propres créations. On avait été influencé par ses films et ses récits. Romero nous avait fait rêver, frissonner et fantasmer comme peu d'artistes l'ont jamais fait.
Les termes de « maître de l'horreur » ou « père des zombies » qui sont souvent accolés à son nom sont au final bien réducteur. Et tous les messages postés sur FB, sur des forums ou passés de mails en mails le prouvent bien : ce n'est pas le gore ou l'horreur pure qui ont marqué sur le long terme des centaines de milliers de cinéphiles/phages. C'est une authentique sensibilité dans ses récits. Des personnages en trois dimensions qui comptent parmi les plus belles créations du cinéma. Des récits parfois effrayants, certes, mais qui nous touchaient bien au-delà des images saignantes.
Romero était un conteur exceptionnel. Le genre d'homme qui, il y a deux cent ans, se serait assis sur la place centrale du village pour narrer aux enfants et adultes présents des histoires tour à tour terrifiantes, merveilleuses ou fantastiques, capables de nous faire réfléchir. Tout comme les contes et légendes d'hier, les récits inventés par Romero se sont infiltrés dans tous les pans de notre société. Romero a fini par faire partie intégrante de la culture populaire mondiale. Il sera toujours là, parmi nous.
Même si sa disparition physique nous donne à tous l'impression d'être un peu plus seul.

Quelques hommages de proches et de personnalités du cinéma :

LORI CARDILLE
Cardille dans Le Jour des morts-vivants.

I was heart broken to hear that my friend George Romero passed away today. We went way way back. When I was a teenager, George and my dad, Chilly Billy Cardille became close friends after dad appeared in and helped promote Night of the Living Dead. More than two decades later, George and I came together for Day of the Dead and we remained close ever since. He was one of a kind. He changed cinema. I will always appreciate him, I will always respect his work and I will always miss him. It was somehow fitting that my father, Chilly Billy passed away a year ago this week, days after George visited with him in Pittsburgh. Rest in peace George. My dad will take good care of you now.

TOM SAVINI
Moment de détente entre Romero et Savini.

When I did a special effect on a George Romero set....I would make a chirping cricket noise. If George made the same cricket noise back, i knew he loved it, it worked and we could move on, after laughing our asses off. That's how we communicated...with lots of laughing. When we first met i was auditioning for him and made him laugh. That laugh....that laugh came from the center of the earth. We laughed through almost fifty years and nine movies. I will miss that laugh, and my friend. More than that he was a big teddy bear. You loved hugging him cause he made a noise, a happy loving noise, as he squeezed the breath out of you. I will miss that hug. I will miss everything about him. There is a light in the galaxy that has gone out and can't be replaced. Normally you would say "Ah but we have sweet memories"....in this case those that knew him have a lot more...it's molecular...it's a part of us...he is in us...he made so much of what we are.

MALCOLM McDOWELL
It’s with extreme sadness that we learnt today of the passing of George Romero. Actor, writer, and director - who was rather underestimated by many of his peers. George was a true artist and much of this was due to working in the town where he grew up in Pittsburgh. His films, even though they were very meager budgets, have lasted throughout time. There is a beautiful poetic element about them: they are not merely escapist films. There’s something deeper to them.
Romero et McDowell en gande discussion autour d'un repas.

On a personal note, he will be truly missed. One of favorite things to do was have dinner with George and his wife Suzanne and talk over what was happening in our crazy business... and laughing and laughing about it. Farewell George, you will be missed.
With a heavy heart,
Malcolm

JAMES GUNN
I just heard George Romero has passed away.
Seeing Night of the Living Dead as a child not only scared the living hell out of me, and made me forever jump at creepy children, but it was so incredibly DIY I realized movies were not something that belonged solely to the elites with multiple millions of dollars but could also be created by US, the people who simply loved them, who lived in Missouri, as I did, or Pennsylvania, as you did, or anywhere. I picked up an eight millimeter camera, mixed some Karo syrup with some red food dye to make blood, and began making movies - specifically, having my one brother eat my other brother onscreen, alive. I was eleven. That was the first moment of my film career, and it was spurned on because of you.
Dawn of the Dead showed me how social commentary could take place in a genre film; the poster for the movie graced my wall throughout my high school years, and is one of the reasons I took the gig writing the remake. Day of the Dead showed me how we could go deeper into the emotional ins and outs of these complex worlds we created onscreen; it's an incredibly underrated movie and set the standard for going into the specifics of high concepts even today.
The Dark Half is one of the best film versions of a Stephen King novel, and I'll always hold a special place in my heart for Monkey Shines. In 1988 my brother and I went to see The Blob remake and then hid in the bathroom before sneaking into Monkey Shines (for free, sorry). While hiding in the bathroom, a man had explosive diarrhea in one of the stalls. My brother and I were in hell due to the smell, but we couldn't go out of the bathroom because the manager, who knew us, was right outside the door, and seeing Monkey Shines meant that much to us. We persevered and loved the movie.
My favorite Romero film, though, is Martin, a low-budget gem which is sad, scary, and touching.
Thank you, George, for being a part of my life for a long, long time, in so many different ways. Rest in Peace.

EDGAR WRIGHT
Edgar Wright et Simon Pegg entourent Romero.

It’s fair to say that without George A. Romero, I would not have the career I have now. A lot of people owe George a huge debt of gratitude for the inspiration. I am just one of many.
Without George, at the very least, my career would have started very differently. My future in film really started when I became firm friends with Simon Pegg while we were making ‘SPACED’ and we realised that we were both obsessed with ‘Dawn Of The Dead’ and George’s work.
I had been infatuated about George’s work before I saw it, scouring through horror and fantasy magazine for stills, posters and articles way before I was old enough to see his movies. When I finally did watch, on VHS or late night TV, the likes of ‘Night Of The Living Dead’, ‘Martin’, ‘Dawn Of The Dead’, ‘Creepshow’, ‘Day Of The Dead’ and others, I was a true devotee to all things Romero.
Later, after making ‘Spaced’, myself and Pegg had this wild notion of making a film that took place in George’s universe, but with a distinctly deadpan North London response to his Pittsburgh zombie epics. The resulting film ‘Shaun Of The Dead’, would obviously not exist without the master himself and when we completed the movie, we decided that we should try and contact George and screen the film for him. To us, his was the only opinion that mattered.
Universal contacted George and screened the movie for him while he was on vacation in Florida. I remember being bemused that he watched the movie with a studio security guy in the theatre. As if George himself would pirate the movie! Even If he did, he would be more than due some profits from our cinematic valentine to him.
Later that night, George called us in London. I remember standing in my flat in Islington when I got the call from him and he couldn’t have been warmer and kinder about the movie. I remember him saying that it was ‘an absolute blast’. That indeed became the sole poster quote for the movie in the United States. I frequently think back to this moment of standing in my house as the moment my life truly changed and the world got smaller.
Over a year later George asked us to come to Toronto and appear in his new movie ‘Land Of The Dead’. We had our make up done by KNB FX in LA and then flew out to the chilly night shoot set to meet the man himself. We had sent George a ‘Foree Electric’ name tag as a token of our gratitude for his poster quote on our movie and he was wearing it when we met. Meeting the man himself was just amazing, as anyone who knew him will attest how funny, smart and genial he was.
When we shot our brief cameo as ‘Photo Booth Zombies’, it was such a trip being directed by the ‘King Of The Zombies’ himself. We couldn’t believe we were being told what to do as zombies by the man himself. He actually had no notes and said ‘You guys know what you are doing’. Later we would both actually feature on the one sheet for the movie in our make up, which blew my inner horror geek’s mind.
The day after we shot our cameo, I do remember something else that George said. We had coffee in a Toronto hotel with him and he asked me and Simon what we were doing next. I replied that we were making a police action comedy. ‘Oh, not a horror, then?’ he replied, ‘So you’re getting out.’
This was a telling statement, as there was always the sense that George had interests in film that stretched beyond the realm of horror. But even if he was pigeonholed somewhat in the genre realm, one of the reasons that his work resonates still is because of fierce intelligence and humour behind it. His zombie films alone are the work of a major satirist, being highly vivid socio-political metaphors and sometimes better records of the years in which they were made than countless serious dramas.
While genre films are often dismissed when people are talking about classic cinema, there is absolutely no denying the seismic impact his movies have had and continue to have in the world of film, TV, comics, video games and literature.
The last time I was in contact with him, was last year when it was announced on the internet that he was to have star in his honour on the Hollywood Walk Of Fame. I e-mailed him to ask when the ceremony was, as I would like to go and here is just part of his very droll and typically modest response.
From: George Romero
Subject: Re: Hey George.
Date: August 31, 2016 at 9:01:53 PM EDT
So nice to hear from you. You are the first person of note to have responded to the announcement of my “Star” on the “Hollywood Walk of Fame”. If I had been given a date for the “ceremony”, I would certainly have passed it on to all who might have been amused. As of now there is no definite date. Once a date is determined I will alert you and my children who, at this point, seem to be the only amused parties…I fully appreciate that some day in the future one of my kids might be walking along Zambeezie Street in L.A. and wonder why his or her father has his name embedded beneath the dog shit. Thousands of people, stepping over that same dog shit, if they can decipher the time-crusted lettering, will ask, “Who the fuck is George Romero?” Only you and my children will know.
Thank you for knowing.
Love,
George

This was the last e-mail I received from George. He is, as ever, being way too hard on himself. For just his very surname, ‘Romero’, immediately conjures more images and themes than 99 percent of writer/directors out there. I look forward to whenever they do lay down the star in his honour, but he is already is a bright shining beacon in the film universe.
R.I.P. to the lovely George. Knowing your movies, I have a feeling you will be back.

dimanche 9 juillet 2017

Compte rendu du Neuchatel International Fantastic Film Festival 2017

Le festival de cinéma est un événement clef de la vie du cinéphage. Une expérience particulière qui propulse le gobeur de pellicules hors du temps et de l'espace. Abolies sont les notions de matin, midi et soir. Caduque devient son appréciation de sa géographie immédiate. A tel point que si l'événement qu'il attend le plus dans sa vie (l'apparition d'un monstre géant détruisant tout sur son passage) se déroulait dans la commune voisine, il n'en aurait même pas conscience... En festival, le cinéphage ne fonctionne plus que sur un seul mode : voir-le-plus-de-films-possible. Des anciennetés, des nouveautés, des films qu'il a déjà vus, des longs, des courts, des bons, des navets... Peu importe. Seul son insatiable appétit pour le 7ème Art doit être assouvi. Le temps s'écoule en terme de séances et de durée de films. Et son univers vital se réduit à sa chambre, les salles de cinéma et, avec un peu de chance, une épicerie située entre les deux qui lui permet d'étancher sa soif avec un pack de Valstar qu'il cache plus ou moins subtilement sous son imper.
Le NIFFF (Neuchatel International Film Festival), avec sa programmation proposant plus d'une centaine de productions, est devenu au fil des dix-sept années de son existence un point de convergence incontournable de la cinéphagie européenne. L'édition 2017 n'a pas failli à sa réputation et a proposé un vaste panorama de la production fantastique et asiatique (les deux mamelles du festival) actuelle, saupoudré de multiples rétrospectives. L'une d'elles rendait justement hommage au seul et unique Seijun Suzuki qui nous quitté en février de cette année. L'occasion pour nombre de spectateurs pas forcément familiers de ce franc-tireur de découvrir quelques classiques comme Branded to Kill (La Marque du tueur) ou Detective Bureau 2-3. Ainsi que certains de ses films plus tardifs (et beaucoup plus rarement diffusés en Occident) comme Zigeunerweisen ou le sublime Princess Raccoon, magnifique hymne à la vie et à l'amour qu'il réalisait à 82 ans.

Mon Ange
Du côté des différentes sections officielles, la cuvée 2017 nous a réservé de belles surprises. Avec en tête Mon Ange du Belge Harry Cleven, sublime et envoûtante histoire d'amour en caméra subjective entre un garçon invisible et une fille aveugle. Le pitch initial est déjà très bon, l'exécution est magnifique. Car l'idée de faire du garçon un personnage invisible nous permet de rentrer totalement dans sa peau ; son invisibilité étant un reflet du public, ce peuple de voyeur éternellement inassouvi. Jamais aucune implication personnelle ne fût aussi forte que devant ce film où le spectateur se retrouve en tête à tête avec Fleur Geffrier pendant une bonne heure. Lorsque l'on émerge à la fin et que l'on remarque tout plein de monde autour de nous, on est presque choqué que tant d'inconnus aient partagé ce moment d'intimité que l'on pensait unique et personnelle. Un énorme bravo aussi pour le travail sonore, l'un des plus éblouissants qu'il nous ait été donné d'entendre depuis bien longtemps.
Dans un genre bien différent, The Endless de Justin Benson et Aaron Moorhead (Spring) suit deux échappés d'une secte qui décident un jour d'y retourner. Les deux jeunes cinéastes, qui tiennent aussi les rôles principaux, signent un retour vers l'une de leur production précédente qui se révèle là aussi marquante. Petit budget très bien construit, The Endless prouve une nouvelle fois que rien ne remplacera jamais un scénario finement travaillé. L’atmosphère, les questions suscitées par le récit, la touche lovecraftienne (le film s'ouvre justement sur une citation du Maître de Providence) nous captive de bout en bout. Le film a été couronné du Prix de la critique.

A Dark Song
A Dark Song marque le premier passage au long de l'Irlandais Liam Gavin. Et pour un premier essai, ce cousin celte apporte un sacré coup de fraîcheur à la production fantastico-horrifique. Des centaines de films existent concernant les exorcismes et les rituels de magie noire, tout aussi bien dans la production américaine, qu'italienne, thaïlandaise ou hongkongaise. Mais au final, le rituel, pourtant clef dans le déroulement et le développement du récit, ne dure que quelques minutes. Ici, Gavin consacre la quasi-totalité de son film au rituel lui-même. Idée géniale sur papier qui aurait pu se révéler casse-gueule à l'écran. Mais grâce aux deux excellents personnages centraux, soutenus par deux acteurs convaincants – Steve Oram et Catherine Walker, et une très bonne tenue du rythme, Gavin nous hypnotise de bout en bout. L'histoire serait apparemment inspirée d'un rituel que Aleister Crowley aurait pratiqué au début du 20ème siècle... Toujours outre-Manche, Alice Lowe réalise, écrit et tient le rôle principal de Prevenge dans lequel une femme enceinte se met à suivre les conseils de son fœtus et dézingue tous ceux – principalement des hommes – qu'elle croise. Si l'histoire possède un petit air de ressemblance avec Baby Blood de Alain Rozak (encore une de ces voix du cinéma de genre français qui n'a pas réussi à se faire entendre), le traitement et les intentions de Lowe sont bien différentes. Et si le film fonctionne tout particulièrement bien, c'est que Lowe est effectivement enceinte jusqu'au cou ! D'où un contenu qui prend un poids et un sens bien particulier. Premier long réussi pour cette actrice récurrente de la production anglaise.

Le Serpent aux milles coupures
Comme on vient d'évoquer Rozak, un petit passage par la France s'impose avec le dernier de Eric Valette, Le Serpent aux milles coupures. Valette est l'un des rares cinéastes français amateur et adepte du cinéma de genre qui réussit à perdurer et à enchaîner des films de qualité. Si vous êtes passé à côté (est-ce possible?!) ruez-vous tout de suite sur Maléfique, La Proie et Une Affaire d'état. Le Serpent est une adaptation du mystérieux DOA, qui suit plusieurs récits divergents à base de racisme, de guerre des gangs et de trafics qui finissent, bien évidemment, par se rejoindre. Valette est particulièrement bon dans ses choix de casting et sa direction d'acteur, et Le Serpent en est probablement l'exemple le plus frappant. Tomer Sisley, extrêmement convaincant dans la peau d'un preneur d’otage, le hongkongais Terence Yin, méconnaissable en assassin sud-américain, Erika Sainte, Stéphane Debac, Gérald Laroche et tellement d'autres qu'il est impossible de tous les citer. Tous viennent soutenir un récit parfaitement ficelé qui est déjà à classer parmi les meilleures productions hexagonales de 2017. Un grand dommage que le film ait été retiré si rapidement des affiches en France...
L'Extrême Orient n'était de son côté bien évidemment pas en reste. Before we vanish de Kiyoshi Kurosawa comptait, assez naturellement, parmi les grands attentes du festival. Et le film se révèle une vraie surprise, Kurosawa réussissant à se renouveler tout en gardant certaines de ses grandes thématiques. Possédant des touches de Zebraman (pour la recherche barrée des ET) et de Parasyte (pour ces ET qui ne réussissent pas vraiment à utiliser et comprendre les humains), Before we vanish possède un ton jovial étonnant dans la cadre du travail de Kurosawa. Le bougre sait y faire et prouve qu'il n'est pas devenu qu'une bête de festival ne sachant que pondre des films arty parfois barbant.
Mon Mon Mon Monsters
A Taïwan, Mon Mon Mon Monsters, second long de l'écrivain Giddens Ko, était aussi très attendu. Une descente dans les affres des brimades adolescentes avec une créature qui se retrouve capturée par des gamins sadiques. Changeant de tons comme seules les productions de Hong Kong ou Taïwan sont capables de le faire, MMMM (c'est plus simple comme ça) déstabilise et désoriente le spectateur en le faisant passer de scènes légères à des passages d'une rare rudesse. Très efficace.
Impossible de ne pas évoquer non plus Have A Nice Day, dessin-animé de Chine Pop qui s'est vu retiré de la programmation du dernier Festival d'Annecy suite à des pressions du gouvernement de Pékin ! Le réalisateur Liu Jian signe un anime kitanorien qui a effectivement de quoi offenser les autorités dictatoriales chinoises. Alors que le plus gros de la production locale nage dans une béatitude de blockbuster vide d'une rare niaiserie (voir l'horripilant Kung Fu Yoga avec un Jackie Chan ayant perdu toute sa splendeur), Liu délivre une vision noire et mordante de la société chinoise. Un polar sur fond de génération no future, qui place Liu comme l'une des (si ce n'est LA) voix les plus importantes de la production de Chine.
Afin de ne pas rendre ce compte-rendu indigeste à lire sur le web, on conclura sur quelques autres films marquants comme Colossal de Nacho Vilagondo, hommage au kaiju et film rédempteur pour son auteur ; le film d'action cambodgien Jailbreak avec la star du MMA local Tharoth Sam ; le nouveau De la Iglesia (couronné du Méliés d'argent) El Bar qui détonne par le ton méchant qu'il prend dans sa seconde partie ; la fable adolescente Super Dark Times (Grand prix du festival) et ses échos à la Stand By Me...
Le cinéphage en goguette revient repu de cette incursion en Suisse. Il ne lui reste plus qu'à entamer un dur travail de désintoxication afin de revenir à un rythme de visionnage de seulement ou deux films par jour... Vivement la prochaine édition !

Have A Nice Day

mardi 30 mai 2017

Super Riders (Lin Chen-Wong, Taiwan/ Japon, 1975)

Au milieu des années 70, la pop culture audio-visuelle nippone cartonne aux quatre coins de l'Extrême Orient. En Corée du Sud, où tous les produits importés du Japon sont interdits (récente et traumatisante occupation du premier par le second expliquant cela), les mangas se vendent au marché noir comme des petits pains chauds. A Hong Kong, Taïwan ou en Thaïlande, les récits de super-héros font aussi un tabac auprès des jeunes. Parmi ceux-ci, les aventures de Kamen Rider, qui ont d'abord vu le jour sous la forme de héros de BD, sont parmi les plus côtés. Et à juste titre. Ce manga créé par Shotaro Ishinomori possède une noirceur détonante et des personnages en proie à des problèmes de conscience comme on en trouve peu dans le genre. Alors que les thèses pullulent en Occident sur les super-héros anglo-saxons, on désespère toujours de voir quelque ouvrage, ou même simplement article, décortiquer en profondeur l'univers des super-héros nippons. Il y a beaucoup à dire, bien plus que les éternelles caricatures sur fond de mentalité post-coloniales qui ressortent constamment sur les tokusatsu (productions à SFX, souvent utiliser de nos jours pour désigner les super-héros). Transhumanisme, écologie radicale, crainte du nucléaire mais aussi des aspects plus réacs comme la peur de l'étranger sont parmi les nombreux thèmes qui soutiennent ces séries. Bref. 
 L'engouement pour les super-héros nippons donne un jour une idée à un producteur de Taipei : pourquoi ne pas sortir sur le territoire un film mettant en scène les célèbres Kamen Rider(s) ? Le problème, c'est que les adaptations cinéma existantes sont très courtes, entre 30 et 40 minutes. Soit un potentiel extrêmement limité pour le marché local et quasi-inexistant pour l'international. Possiblement motivé par la sortie de la coproduction nippon-thailandaise Hanuman and the Five Riders (tripatouillage de Five Riders Vs King Dark avec de nouvelles scènes), notre bonhomme décide alors de faire un remontage de plusieurs productions mettant en scène les Kamen Rider(s). Tout en rajoutant des scènes tournées spécialement pour l'occasion, mettant notamment en scène l'acteur martial Lee Yi-Min, bien connu pour le délirant Heaven and Hell (1979) de Chang Cheh. Des mélanges comme ça, l'amateur de cinéma populaire le sait bien, ne peuvent donner au final qu'un film passablement hallucinant. Continuité foutraque, acteur apparaissant puis disparaissant sans véritable raison ou étant remplacé par son « double » chinois... Super Riders est une expérience visuelle particulière. Et qui peut effectivement justifier les mauvais échos que les récits de super-héros japonais se coltinent de ce côté du monde depuis des décennies. Mais c'est aussi un authentique plaisir coupable. Le genre de film que l'on regarde en douce, sans s'en vanter auprès de ses amis cinéphiles ne jurant que par la nouvelle vague française. Parce que Super Riders c'est du pur plaisir enfantin. Des bastons qui n'en finissent pas, des sauts dans les airs à tire-larigot, des poursuites sauvages en MBK dans des terrains vagues, des méchants aux costumes conçus sous LSD... Il serait facile de se prêter au jeu toujours facile (quoi que souvent jouissif) du dézinguage critique. Mais ce serait passer totalement à côté de ce qui fait l'intérêt du film. Super Riders ne prétend pas être un « grand » film. Ni même un « bon » film d'ailleurs. Par contre, niveau divertissement, il sait sacrément bien y faire. Beaucoup plus en tout cas que Star Wars II ou Jurassic Park.
Après être sorti sur les écrans français il y a bien longtemps, puis en VHS dans une édition longtemps convoitée par certains amateurs, voilà que le film ressort en double DVD (avec Impact 5, polar taïwanais dont on reparlera peut-être un jour), au format et avec son magnifique doublage VF vintage qui contribue tant au plaisir de visionnage. Bonus amoureux : l'équipe de mordus de TokuScope fournit un commentaire audio passionné du film. Que demande le peuple ?! C'est bien simple : du pain, du beurre demi-sel et des super-héros japonais !

samedi 20 mai 2017

The Peony's Whisper (Vincent Guilbert, Japon, 2016)


Il existe deux types de documentaires. Ceux que la télé chérit, où un sujet est évoqué de manière chronologique, factuel, avec une voix-off nous donnant toutes les informations nécessaires à la compréhension. Et puis il y a ceux, plus subtils, où le réalisateur cherche à témoigner (ou attester) d'un sujet sans passer par les schémas classiques de mise en scène propre aux documentaires mainstream et en cherchant à développer un véritable regard. Vincent Guilbert est un adepte de cette seconde catégorie.

Japonais d'adoption, Guilbert vit à Tokyo depuis une dizaine d'années. Ses sujets de prédilection concernent des personnalités atypiques, souvent quelque peu en marge. Son documentaire sur le chanteur Costes a d'ailleurs fait sensation lors de l'édition 2016 de L'étrange festival. Son dernier travail en date, The Peony's Whisper (Le murmure de la pivoine en VF), ne déroge pas à la règle et nous invite à rencontrer Akira Naka, l'un des grands maîtres du bondage par cordes. Les adeptes de roman porno et, plus largement, d'érotisme japonais sont immanquablement tombés sur des films dépeignant cette pratique bien particulière - notamment ceux inspirés des écrits de Oniruku Dan et mettant en scène Naomi Tani. Mais nul besoin d'être un cinéphage érotomane ou un adepte du S&M pour se plonger tête la première dans ce film. Car The Peony's Whisper dépasse totalement les prémices salaces qu'une telle rencontre pouvait faire espérer pour nous offrir un portrait kaléidoscopique passionnant d'un Japonais arrivé à la moitié de sa vie. L'une des nombreuses qualités du film, c'est qu'il aborde en filigrane de nombreux sujets que l'on ne s'attendait pas à trouver dans un tel contexte : le racisme (le beau-père de Naka est Coréen), les préjugés (l'un de ses amis d'école est un burakumin) et même plus largement le sens de la vie. Oui, rien que ça. Guilbert suit au plus près Naka et ses modèles, délivrant un portrait complexe d'un homme et son « art » (il n'aime pas que l'on évoque ce qu'il fait ainsi). Après l'avoir suivi pendant plusieurs années et avoir accumulé quelques 150 heures d'images, il avait de quoi faire. The Peony's Whisper surprend (et fascine) et réussit au final à donner une image tout en douceur d'un homme qui gagne sa vie en faisant souffrir et pleurer des femmes. Toutes consentantes, ne l'oublions pas !

On s'est souvent amusé en France à rappeler que ce sont les Européens qui avaient permis à des cinéastes comme Akira Kurosawa ou, plus tard, Takeshi Kitano, d'obtenir une véritable reconnaissance dans leur pays. Vincent Guilbert va bientôt bénéficier d'une rétrospective à Tokyo, où seront présentés tous (ou presque) ses films. Il serait peut-être temps que quelqu'un fasse de même dans l'Hexagone...

Ghost in the Shell (Rupert Sanders, USA, 2017)

Depuis une quinzaine d'années (au plus bas mot), Hollywood procède à un rachat massif de droits de productions européennes et asiatiques. Cette dynamique témoigne de deux réalités. La première, c'est que Hollywood cherche à maintenir un trust cinématographique sur l'industrie mondiale du cinéma et ne souhaite pas permettre à des productions sud-coréennes, hongkongaises ou autre de venir grignoter un morceau du gâteau. Donc, on rachète les droits de Shiri ou Infernal Affairs, on en fait un remake, que l'on sort à grand fracas de campagnes publicitaires et de milliers de copies et on enterre de fait la production originale. Combien de spectateurs savent que Les Infiltrés est un remake de Infernal Affairs ? Et parmi ceux qui sont au courant, combien ont pris la peine de rechercher et visionner l'original ? Peu, les chiffres du box-office en témoignent.La seconde, c'est que Hollywood souffre cruellement d'un manque total de créativité. A l'heure actuelle, les scénaristes américains trouvent bien plus excitant de s'essayer aux séries télé ou aux productions indépendantes que de chercher à faire passer un récit novateur, dynamique et intelligent à des producteurs sclérosés, engoncés dans des schémas de pensée arriérés. Résultat, Hollywood ne sait plus faire de film intéressant, percutant ou rafraîchissant.
Dans le cas de Ghost in the shell 2017, l'argument massue rabâché par la production, c'est qu'il s'agit d'une adaptation live, au contraire du film original qui est anime. Sous-entendant par là que l'animation n'est pas un médium digne de ce nom et que seul le cinéma en prise de vue réelle mérite le statut de Septième Art. En quoi le passage en live est une justification suffisante pour légitimer un remake ? Cela reviendrait à dire à un peintre « c'est bien beau ce que vous faites, m'enfin une toile et des pinceaux, c'est tout de même pas très sérieux comparé au travail que peut abattre un sculpteur sur marbre ». Ghost in the Shell existe en tant qu’œuvre audio-visuelle, réalisée de main de maître par un certain Mamoru Oshii, où peut donc bien être l'intérêt d'en confectionner un remake ? Ne cachons pas qu'avant même de rentrer dans la salle, la question nous titille furieusement. Mais Sanders a tout de même le droit au bénéfice du doute et on s'assoit donc bien sagement dans la salle...
Adapter Ghost in the Shell au cinéma, avec des acteurs, est un projet qui remonte déjà à 2008, lorsque Spielberg et Dreamwork posent une option d'adaptation. Il aura donc fallu au final huit ans pour que le projet voit finalement le jour. Plusieurs réalisateurs ont été évoqués, avant que ce ne soit finalement le nouveau venu Rupert Sanders (qui n'a comme bagage que Blanche-Neige et le chasseur) qui prenne la place du metteur en scène. Quant au scénariste crédité, il faut évoquer le sujet au pluriel vu qu'il n'y en a pas moins de trois qui se sont succédé de manière officielle et qui ont donc tous apportés des petits bouts d'histoire. Situation typiquement hollywoodienne où les producteurs virent à tour de bras les scénaristes jusqu'à ce qu'ils obtiennent non pas un bon scénario, mais ce qu'ils considèrent être une histoire facilement compréhensible et digérable. A ce niveau, pas de doute, Paramount et Dreamworks ont atteint leur objectif.
Le dossier de presse du film témoigne gentiment que « tout au long de l'écriture, du développement et du tournage, les producteurs n'ont cessé de s'inspirer du manga et du film d'animation ». La langue de bois mise de côté, le Ghost in the Shell de Sanders est purement et simplement un remake du film de Oshii. Le tout saupoudré de pompages (pardon, d'influences) secondaires provenant d'Innocence, de GITS Arise, de Pulse (le remake américaine de Kaïro), de Blade Runner...

Si l'on met de côté la production expérimentale, le cinéma tel qu'on le connaît et le pratique de nos jours est au commencement une histoire de mots. Un scénario. De par le choix même de produire un remake, deux des premiers plaisirs clefs d'un film – la découverte et la surprise – sont totalement absents ici. Et c'est donc d'un œil torve que l'on assiste aux aventures du Major que l'on connaît déjà bien. Mais le problème ne s'arrête pas là. Le GITS de Oshii est une œuvre complexe, à multiples niveaux – je renverrai ceux qui veulent en savoir plus à Mamoru Oshii, rêves, nostalgie et révolutions. Au contraire, le film de Sanders est d'une platitude linéaire effarante de banalités et de lieux communs. Et le seul thème que le film réussit à développer c'est celui ultra-usité à Hollywood de : les robots peuvent-ils être humains (et vis-versa) ? Oh-mon-dieu-tout-mais-pas-ça.

Le GITS de Sanders est d'une vacuité abyssale. Il n'y a pas une seule idée dans son film. Ce qui devient véritablement gênant lorsqu'on le voit recopier à la lettre moult scènes du GITS de Oshii, sans en comprendre le sens ni la portée. On a l'impression d'être face à un chien savant qui répète les tours que lui a appris son maître. En parlant de chien, Sanders et ses scénaristes ont bien évidemment inclus un basset, portant de surcroît le nom de Gabriel – le nom d'un des bassets de Oshii. De quoi satisfaire le geek/ otaku de base pensent-ils, qui pourra à ce moment étaler sa science auprès de ses voisins dans la salle. Idem pour un petit clin d’œil à Avalon. Oh, que c'est jouissif ! Comme c'est bien trouvé ! Non, cela frôle tout simplement le pathétique. Comme si ce n'était déjà pas suffisamment pesant d'assister à un pompage en règle (oups, pardon, à un plagiat... ah non, ce n'est toujours pas ça, à « une création influencée par ») Oshii, si l'on doit se coltiner en plus des références grossières sans aucun intérêt.

Il y a aussi – et cela avait été pointé du doigt dès les premiers échos de casting évoquant Scarlett Johansson dans le rôle principal – le problème du « blanchiment » du récit. Sujet qui nous ramène à l’introduction de ce papier. Depuis ses débuts, Hollywood n'a jamais pu tolérer que des acteurs ne rentrant pas dans un moule 100 % beige de peau puissent être à la tête de grosses productions. Et qu'il est donc préférable de racheter des franchises, films ou séries mettant en scène des acteurs ne rentrant pas dans le moule John Wayne/ Vivien Leigh afin d'en délivrer des versions 100 % assimilables KKK. Il n'a donc jamais été question que la Major Motoko Kusanagi puisse être interprétée par une Japonaise. Ou une Chinoise. Pour Hollywood, tout cela n'est qu'une histoire de bridés. Donc, la Major perd au passage son prénom au cinéma et n'est connue que comme... la Major. SPOILER – enfin bon, ça ne me semble pas spoiler quoi que ce soit, mais si ça se trouve, deux spectateurs coincés dans des grottes souterraines durant ces 45 dernières années seront peut-être surpris par ce twist ébouriffant. Là où l'histoire gagne véritablement en piquant, c'est que les scénaristes et les producteurs ont cherché à se couvrir vis-à-vis de ces attaques de blanchiment. Et que notre bonne Major est en fait bien... japonaise ! Si, si ! C'est juste que lorsque l'on a récupéré son cerveau, on l'a placé sur un corps de type européen. Voilà. Le plus incroyable, c'est que personne dans la production ne s'est rendu compte à quel point cette idée les enfonçait encore plus. Car au final, ce que Sanders et ses compères font, c'est rejouer de nouveau le cas Kung Fu : soit prendre le rôle d'un « asiatique » que l'on grime en européen. Et là, c'est le mauvais point en trop. Le coup de bambou derrière la nuque qui nous fait nous demander comment on a pu en arriver là...

Le film de Oshii était une œuvre subtile, riche, poétique. Le film de Sanders est vide et grossier. D'une manière typiquement hollywoodienne, la production tente de parer aux critiques concernant l'utilité d'un tel remake en en mettant plein partout à l'écran. La ville regorge d'hologrammes géants, de vie, de mouvements. Mais tout cela n'est au final que du remplissage. Il ne reste rien de l'attachement et des réflexions autour de l'urbanité qui hante non seulement GITS mais une grande partie de l’œuvre de Oshii. On en fout plein les yeux, parce-qu'on en a les moyens. Mais un million de grains de sable ne feront jamais rien d'autre qu'un désert.